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观看与定义
时间:2013-06-08 【来源:常州日报 周俊炜】

     

     ——读耿建国影像艺术作品有感 

  经过胶片感光,洗印出照片,在纸面上观看图像。这是摄影的传统观看方式。

  在数码技术发展之后,虽然可以通过电脑屏幕或采取投影方式观看影像,但本质上仍延续着图片式的观看。这种方式从未有人置疑。

  进入大众的消费时代后,摄影的日常化使大量非专业人士介入摄影。数码影像工具逐渐取代着传统摄影器材,影像获取的便利性和低廉性加大了参与的人群,摄影成为了平民的游戏,摄影艺术本来就摇摇欲坠的精英特征更是丧失殆尽。大量的生活写照、旅游摄影模糊了专业作者与业余玩家之间的差别,也消解着摄影艺术的学术性和严肃性,人们无法辨识一幅艺术摄影与自己相机和手机中的影像有什么不同、区别何在。

  重新定义摄影,定义摄影的“艺术性”,已成为摄影艺术家当下的工作和责任。

  耿建国借鉴了绘画的三种形式,为自己的作品做新的诠释。他改变了摄影的原始形态,改变了传统的观看方式,以此定义着自己心中的摄影。

  耿建国是在深圳的一个国画展上受到了启发。画家将素材照片转印成丝网版画,工具和媒材的改变完成了艺术的二次创作,不仅改变了作品的性质,还改变了作品的图像特点。他感悟到可以借助电脑技术所提供的复制便利,将其它门类的艺术经验植入摄影之中。由此,他开始了具有中国水墨画、丝网版画和具象油画三种特点不同的摄影再创的摸索。

  在他的新作中,东方的审美意蕴与中国水墨画的意趣浑然一体,通过数字技术得到了新的诠释;经由图像拼贴形成的丝网版画的效果,表现出艺术家所感受到的复杂多样而又混乱无序的现实;他迷恋于油画材质的特征,对颜料与笔触的研究增加了色彩与空间的层次,在数字的模拟中找到了厚重的质感。摄影原本就是技术化的艺术,对技术的关注,是推动艺术发展的最新动力。在对传统摄影语言的改造中,耿建国获得了新的快感和审美体验,从中发现了自己的艺术语言,建造了自己的图像世界。

  但耿建国明白仅此而已是不够的,必须有更深层次的探求。他思考改变承载图像的基面材料的物质特性,使原本的二维平面成为三维的可触形态。这是来自现代绘画的观念,在画布上添加不同材质的材料,或者刀割破坏,使得维系于画布的“画面”变为物质的实体,从而冲击了原有的观看模式。

  他用特制的土纸经过多层的裱糊,留下毛毛的纸边,做成羊皮的感觉,绷在木条钉成的框上,上面印着藏民的肖像,仿佛藏族绘画中的唐卡。黑白的影像,有着陈旧的历史感,飘浮着旷野和牧场的气息。内容和形式结合得非常完美,令人浮想联翩。

  他又将一些图像转绘成了油画,使用的虽是数码复制技术,最终呈现的却是手工的成品,一幅名副其实的油画。他关注作品的完成形态,延展自己的艺术行为,是在延长艺术的过程,既带给观众以新的体验,也是自己艺术生命的拓展。

  这样的创作颠覆了摄影的本质,传统摄影艺术的定义不复存在。耿建国希图将摄影从以往的单一标准中解放出来。他认为一件作品可以有不同的感人方式,不能让摄影艺术几十年来只穿相同的外衣,他探索、创造,用自己的个人方式挑战着观众的视觉习惯。虽然,这条道路未必通向必然的终点、带来必然的可能,但却是特定时代中个人的理性行为,体现着改造自我、改造世界的决心和意志。

  德国哲学家本雅明说:“每一种艺术形式的发展史都有危机时期,在这样的时期,该形式迫切追求的效果只能随着技术水准的变化,即在新的艺术形式中,才能自然产生。”在当代艺术的新语境中,遵守传统规则固然是一种美德,但却不一定能带来艺术的复兴和美德的复兴。当每个个体都遭受生存的巨大压力时,艺术家对艺术法则的反叛可以看作是个体精神上的反抗和生命力的宣泄,会得到有着相同感受的观众的赞同。中国摄影正在打破单一的生态,打破对摄影艺术的僵化认知。提出新的理念、作出新的定义、展示新的可能,并非只是个别权威人士的权力,更是每个摄影艺术家的责任!

  每个时代改变的只是环境和外因,人们的喜怒哀乐、生存毁灭都不会改变。因此,艺术最终是人的行为,艺术的价值是人的价值;人留下了作品,作品证明了人,没有什么可以改变人在作品中的重要作用。

  耿建国的意义在于:作为摄影艺术家,他用强烈的个人意志定义了什么是摄影,并给观众设定了新的观看方式。


(编缉:薇安)

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